Category : Textos y artículos

Pequeña, libre, personal e innecesaria interpretación de “Soy una salamanquesa”,

Que vengas del Infierno o del Cielo, qué importa,
¡Belleza! ¡Monstruo enorme, ingenuo y espantoso!
Si tus ojos, tu risa, tu pie, me abren la puerta
de un infinito al que amo y nunca he conocido?”
Charles Baudelaire

Revolotea la muerte, bate sus alas sin agresividad, pues la vida está presente, podría ofenderle cierta irreverencia. Entre ellas nos encontramos, arrojados, observando sus pertinentes bellezas mientras ellas se cuelan entre las fisuras de nuestros miedos y nuestros traumas, hiriendo los tabúes que arrastramos. Obsesionados por dominarlas, no encontramos más respuesta que su montuosa presencia, que su indómita existencia. Han dejado su rastro al cabo del tiempo y a las civilizaciones nos les ha quedado otra opción que alzarlas al firmamento, que no es otra cosa que el reino de lo desconocido. Aquí seguimos, temiéndolas como se teme a lo adorado, adorándolas como se adora a lo temido, confundiéndolas, pues ¿no es la vida más muerte que la propia muerte y la muerte más vida que la propia vida?

Guillermo Amaya Brenes

We thought history responsible, until strange people began to write it: notes on Mariajosé Gallardo.

Marcos Fernández. Director de BlouinARTINFO en España, Colombia y México.

It mustn’t be a problem to abandon what happened in an old trunk, especially when its hides things, that take shelter from the dust, as good commuters of space and time, desastres as it might have been, they still want to contribute on the idea of what happened.


I remember a phrase, I think, might be the most interesting that you can extract from the many that a film might have -If not, this might have possibly been silent-, In which it is more or less affirmed: “No one is alarmed when things go according to plan, even if the plan is terrible”. A maxim kidnaped from a dialogue between the Joker and Harvey Dent  from Christopher Nolan’s  film “The dark knight”.

An aphorism of this caliber may offer us two possibilities: absolute resignation or to look the other way.


It would be something interesting to place some judgement on the multiple realities laid on the table by the data. to keep on weaving as to make everything fall into place and see, that as it is frequent in the art world, a minimum suspicion with some criteria is protagonist over the headlines: sadly not usually that common.


In a less quotidian way, there are worlds that reiterate the power to be able to create a marginal phenomenology of the mannered vestige that history has left us. If we have to quote another film, which name I have not been able to place together, it is a by chance that those that try to subtract an opinion, or to look for a different  palliative when it comes to brewing a different reflexion, they fall victims of chance and rightness.

“I thought it was an action movie and it turns out its about strange people” no doubt its a powerful title. especially when the mundane pretends to wield thou the profane and pseudo-popular. With the idea of abstracting other places that have surely been reserved for some doctoral thesis, not taking into account that vicissitudes can not be half measured – and much less dealing in absolutes-. Forgetting that degrees of exaltations do not exist when we review the pages of expired manuals, because incongruence has always served as legitimate way to give adequate importance.


I think that, because of that, we tend to distress when images and symbols of a still cutting past emerge in the present, with notable speculative interest, with tons of books -in this case some that did not burn on the fires- claiming to be a prodigy of reason in a manner that, with Mariajosé Gallardos filter, are without a doubt a new trench of trajectories, that invite to look with other imagery, like the well quoted John Berger.


When minutia hit the limelight of what happened after 1933 in Germany, It seems that no one would like to look thru the hole of the parallel views. It is clear that they all think in the holocaust, perturbation, imperialism, massacrer, destruction and many epithets far from espiritual.

The nazi movement, in that aspect, opened an unjustified and complicated wound that began by jumping the frontiers of a europe in the makings, urgently positioning its sights on Poland and Austria. The fact that it falls under a belic board game nature, makes it if it were possible more sickening, pretending to show us an idea of the most ambiguous, repressive and unwavering utilitarian creed.


The nazi ideology assumed many more things that emerged subsequently: disarticulating a country to dismember it -you only have to analyse the consequences of the non aggression pact signed between Hitler and Stalin, for the doling out of Poland-, the silent aniquilación, the development of technology and the opening of doors that surrounded by a certain profane nostalgia and mysticism are obsessively articulated, exercising a megalomania that seems illusory, mystical, in the representations as a portrait of power.

Mariajosé Gallardo has always found stimuli in emblems and the narrowing barroc shutter, the ornamental, the psicoanálisis of the torture -when a sycophant has been placed in manifest abstracted from from other analytical context-, the ridicule of imagery, the frivolous popular culture and holistic, broth unknown everyday qualities, to some extent, of perversion.


Placing around the board game a madman’s family circle, can be descriptive, narrative and dismal. To make a collection of the extract so that the wicked may have another condition, can also be wrapped in certain provocation.

That is not the direction as their has never been a vocational torridity or intention of tampering with the events, simply to give a reason to stop the collapse of  memory, with its derived hypertrophy.


The actor are themselves: Adolf Hitler, in the role of the nacionalis ecstatic superstar -as we could observe in the series of photographs that, Heinrich Hoffmann toke with some pose between histrionic and the absolute ridicule, as he was listening to Wagner and were apparently destroyed in the year 1925- ; women and lovers like malevolent and fanatically hanged-up, Albert Speer -that designed between Goebbels, Hermann Göring, Rudolf Hess, Eva Braun, René Müller or her niece Geli Raubal.

If we add Longinus’s lance, the search for the holy grail and listed place of notable energetic charge and dominated by tradition, emblems and myth to bind all possible creads, resulting in a disastrous closet filled with outrage and a will to be a cultural, economic and significant reference and tremendously transcendent.


The annulment of consciousness, the historic mysticism, the modifying of picture cards and engravings, the ludic and festive character of that the family reunions in his residence in Berghof, are some of the things that make up the artis imagery. This emplacement was a place of retreat and second governmental home for Adolf Hitler in Obersalzberg, in the Bavarian Alps -bombarded by the british air force in 1944, burnt by the SS and plundered by the allied, as it usually happens, after the passing of the war machine.


The second world war contributed to the emergence of two superpowers that lookeded to share out the world: USA and URSS. The alliance of nations was made responsible for starting the war and was replaced by UN, following the letter by the United Nations, signed in San Francisco on the 26th of June 1945 whilst, the religious european gerarchi were astonished, by how the Vatican acted as devils advocate not condemning the barbarity, in fact, the pontiff of the time Pio XII, was interested on been on the aryan side as jews and the communist, did not fall within the catholic creed: adding to the mockery, another irreverence, something unique that history will never be able to embellish regardless of all the smiles that are forged for the camera.


In the Núremberg and Tokyo Trials, part of the nazi hierarchy and of the nippon Tenno, were judged and condemned for crimes against humanity -Unprecedented in histories disagreements, as never before had all heads of a nation been judged for any similar reasons-. The technical and scientific investigation, in its totality, where benefited with great impulse, in particular the sponsor investigation and its evasive veracity, brain drain and the dominance of the atom after the Manhattan project -matters that contributed, as well, to the creation of the helicopter, reaction engined planes and the creation of the ICBM: the development of continental ballistic missiles that became key cards a posteriori of the Cold War.


That labyrinth of a game, in a representative manner Mariajosé Gallardo, wives in mastery, as it is unusual, imagery, composition, the oratory of daydream and the symbolic ideals. So many possibilities that the artists pictorial skills, are camouflaged by other documentary rhetoric.


We are accustomed to a iconological charge by the artist from Extremadura, its a conclusive opposition to the values that are brewed under a rigorous lexica, that piles on the bases of her capabilities, not only by skill, thats represented by a stylised historical pictorial tradition and brutal methodical indulgence: esoteric elements, icons, symbols and motives, they converge in a defence so determining as satiric.


We know that to exercise a line of enquiry into such matter tends toward controversy, when the intention is to elongate the shadow of disaster, so that we may take into account all the questions that we dare not ask, and it’s there, were “Creí que era una peli de acción y resulta que es de gente rara” ( “I thought it was an action movie. It turns out it of strange people”) has an aesthetic character, almost of caricature.

This is why we have history books, logically, the artistic approach of the historical authorities, presents as was said, the exotic detached nature of the human condition.


Archivo trampantojo del horror

Pepe Yñiguez. Diario de Sevilla

En una obra de 2007 titulada Yo traigo todo lo que tú necesitas María José Gallardo ensayaba una especie de género híbrido entre la escultura y el archivo. Un carrito de helados contenía en su interior 80 cuadros de pequeño formato de temática variada: muestrarios de helados, labores de bordado, retratos de heroínas de revistas femeninas o condecoraciones. Quizás no tuviera el rigor conceptual ni la coherencia estructural para constituir un verdadero ejemplo de lo que se considera archivo desde que se extendiera su práctica con el arte conceptual. Pero entonces tampoco lasBoîte-en-Valise de Duchamp lo serían y no pasaría nada; no es fácil establecer categorías precisas en el arte contemporáneo y tampoco estrictamente necesario. Con las maletas de Duchamp se relacionaba esa obra por el humor desplegado y el gesto de encerrar el mundo del museo en un objeto ambulante.

Desde entonces, ya sin recurrir a contenedores más o menos al uso, ha seguido bordeando la práctica del archivo desde la pintura. En el archivo, la noción de obra única desaparece para hacer de sus componentes registros de información. Gallardo no pretende suscribir la lógica del archivo, pero ocurre que la cantidad de cuadros de diferentes formatos sobre un mismo tema y su presentación en las salas de exhibición le acercan a la misma o, en todo caso, hacen que cada una de sus exposiciones puedan entenderse como una obra única que podría seguir creciendo al mismo tiempo que se dispersa, como de hecho ocurre al venderse las piezas de la misma. Eso ocurría en su exposición Teneo Tesobre la iconografía de la muerte, también en Delimbo, o en la última del CAAC, hace poco más de un año, sobre la doncella guerrera.

Ahora, con una capacidad de trabajo sorprendente, la artista (Villafranca de los Barros, Badajoz, 1978) se fija en Hitler y en el nazismo con un aluvión de imágenes que abren perspectivas nuevas y lo actualizan. Después de Auschwitz, después de los horrores de nazismo, Adorno proclamó que no se podía escribir poesía, mientras Paul Celán trasformaba el dolor en poemas. Documentales sobre el Holocausto, películas, libros y reportajes tratan de mantener nuestra conciencia despierta sobre lo que supuso el nazismo, de todo un pueblo, de todo el mundo por extensión, dividido exclusivamente en víctimas y verdugos. Y todo esto sigue siendo necesario porque parece que, precisamente por tanta insistencia, nos olvidamos del tema.

Gallardo ensaya otra estrategia para retratar la monstruosidad y creo que parte desde esa misma asimilación por el olvido. La autora la saca nuevamente a la luz, presentando la cara cotidiana de los verdugos. Apoyándose en una exhaustiva documentación gráfica, nos remueve la conciencia desde el derecho a la felicidad de cualquiera. Las imágenes de Hitler posando de las más diversas maneras, entregado a celebrarse con los suyos, con su amante Eva Braun, con Himmler, Göring o Goebbels y hasta con sus perros, inundan los cuadros de la artista, haciendo que la radiante felicidad que destilan, la confianza con la que desarrollan actos protocolarios o de autopropaganda, nos produzca una incomodidad nerviosa. El montaje de las obras contribuye en buena parte a ello: dos paredes laterales repletas de cuadros en los que no queremos detenernos mucho rato al reconocer a los personajes, sino saltar al de al lado y de éste rápidamente a otro, hasta quedar atrapado por el oficio, la eficacia y la minuciosidad de la pintura, de una pintura que arrastra, y hasta intensifica con sus tonos grises y apagados, en ocasiones con fondos de pan de oro, buena parte de la carga documental de las fotografías que la origina, para finalmente caer de nuevo en la cuenta de qué es lo que estamos mirando. Y si queremos escapar del desasosiego, ahí está otra vez, ya lo hemos visto de lejos al entrar en la sala, el retrato de la cara de Hitler flanqueado por dos grandes pinturas murales con águilas imperiales.

La exhibición de estas obras en un espacio que es galería, y una galería muy vinculada al arte urbano, que también es un centro de producción artística y una tienda de ropa que aspira a marcar tendencia, resulta un acierto, muy adecuada para lo que se muestra y la forma en la que se hace. Los cuadros, alrededor de 80, se alternan con pinturas murales y grafitis de letras góticas, tan usadas por la artista. Ya el título de la muestra, detrás de la ironía, demuestra un acercamiento original al tema, porque desde una perspectiva actual -Hitler también convertido en emoticono– se revisa un periodo siniestro de la historia, ofreciendo, al final, una imagen general de gran farsa, de un grotesco trampantojo que no engaña a nadie sino que revela la verdadera naturaleza del monstruo, el horror oculto en la felicidad cotidiana de los verdugos y la exhibición grosera de un poder absoluto que justifican por designios tan falsos como míticos y místicos.

Mariajosé gallardo. Apologia pro vita sua

José Miguel Pereñíguez. 2014

De cuando estudiaba en la facultad de Bellas Artes de Sevilla, recuerdo a una chica caminando por la acera opuesta de la avenida o del puente, a veces en mi misma dirección; otras, en dirección contraria. No se parecía a nadie que hubiese conocido ¿En qué podía andar metida? Era habitual en aquella casa, en aquellos tiempos: ver pasar a gente que te causaba cierta impresión e imaginarte su historia. Esas trayectorias paralelas podían cruzarse más tarde en otros lugares, pues aquella escondida senda (talleres, cursos, exposiciones) la seguíamos muy pocos. Entonces nos encontramos y pude conocer esta historia casi desde el principio.


Primeras obras (2000-2001)

Fondos de oro o blanqueados, hilo rojo, figuras recortadas como personajes de pantomima conminados por solemnes sentencias en latín (te·amata·capio), signos… Más tarde, modelos de pose abandonada, sangre (tal cual), estampados, garras de fiera… Celebración y desfiguración simultáneas de un mundo de hermosa apariencia y fondo convulso. Uno podía colocar aquellas obritas en un sitio visible para propiciar o ahuyentar algo. Se dice que sus pinturas no han perdido nunca ese poder.


Sala de eStar (2001-2006)

Por allí pasó todo el mundo, incluso quienes nunca estuvieron. Aquel lugar abierto al público, guardaba su propio secreto: un cuarto donde todo cuanto ella estimaba valioso era confiscado, tasado y clasificado en gruesos álbumes de recortes, colgado de las paredes o utilizado como mobiliario auxiliar de esas sesiones de pintura que empezaban a tener algo de ceremonia. Las paredes de la sala cambiaron la escala de sus obras y aquellos cuadros votivos se transformaron ante nuestros ojos en imponentes retablos a punto de caer. Pues tan frágil era en el fondo aquel juego donde la realidad, poseída por un primor implacable, se mostraba en  grandes paneles enlazados por gestos leves y asimétricos: líneas de un mural en fuga hacia un adorno de lentejuelas y plumas a medio desprender, orlas vacías, cortinas caladas,  espejos y molduras, ramitas con divisa de seda, altares incruentos ofrecidos a sí misma. Para todos nosotros la sala era un laboratorio. Ella convirtió aquel espacio en un camarín, un tesoro abierto a la curiosidad y a la bondad de los extraños.


La obra es la vida. Las formas del cuadro. (2004-2014)

En este imposible resumen, empecemos por sus cuadros sobre adhesivo reflectante. La sustancia opaca del óleo procuraba  allí hacerse ver y lo lograba a fuerza de deslucir el destello espectral del tornasol. Los temas eran bien ácidos: celebraciones de sus propias hazañas y vidas de heroínas poco ejemplares. Arabescos sangrantes engarzaban las escenas de estos modernos y deslumbrantes pliegos de cordel que pretendían hacernos menos ciegos al imperio de la belleza y a sus estragos.

Algo más tarde, la pintura se conjuró  para crear un fondo infinito por rellenar o un elaborado marco alrededor de un motivo central. Las figuras se ausentan con frecuencia de estas composiciones: bodegones o escaparates; listas de grandes éxitos o mantas de la perfecta chamarilera; prescripciones de estilo imposibles de cumplir o redes tendidas para que los espíritus selectos se den a conocer.

Las obras recientes presentan una idea de orden a través de esas imágenes-tipo que describen objetivamente las cosas: mapas y diagramas, árboles genealógicos, pirámides tróficas… Por medio del trampantojo, sus preciados enseres aparecen de pronto colocados en vitrinas, alacenas y relicarios. Y como raros anaqueles de tiempo funcionan también las viñetas que cuentan la leyenda, negra o dorada, de sus criaturas. Al desafío de reconocer cada uno de los elementos de este bizarro despliegue, se suma el de esclarecer las relaciones que guardan entre sí, firmes y secretas como el hilo de un telépata.

Estas fórmulas  y otras que me dejo se resumen en dos: el gran cuadro que intenta explicar un mundo por sí mismo y el abigarrado, laberíntico inventario de pinturas pequeñas pulidas como gemas. Y aún una tercera, doblando la apuesta: el abigarrado y laberíntico  inventario de grandes cuadros que explican cada uno un mundo, trabajados pulgada a pulgada con la finura con que se talla el diamante. No hay por qué elegir cuando se puede con todo.


Palabras clave

Eterno revival prerrafaelita, Gótico de la Reina Virgen,  Punk McQueenesco, Chic de montería, Macareno juanmanuelino,  Mix victoriano-eduardiano, Posbarroco, Heavy nórdico decolorado, Caligrafitti tudor…


La vida es la obra. La ermitaña.

Siempre me emociona recordar cómo se ha hecho todo esto. Aquellas primeras labores han alumbrado una verdadera vocación a la que Mariajosé se somete como a una ley de hierro. Las sesiones de pintura acaban noche tras noche casi con las primeras luces  y son un ejercicio -de precisión más que de paciencia- cuya tensión sostenida me resulta difícil de imaginar. Por medio de esa inmersión ritual, su visión se ha transformado: si esta era al principio distante e irónica, ahora me parece fundamentalmente entusiasta, pues ha encontrado en esas mañas de artífice tan constantemente repetidas un  dominio  propio, un auto-encantamiento. Más allá de apartamientos y amarguras pasadas, la pintora se esfuerza infatigablemente en extraer de cada cosa aquella rara propiedad que debe ser anotada al vuelo por la escritura del pincel -siempre más afilada, más sintética, más concisa- para construir una compleja e inabarcable alegoría de sí misma que encubre algo cada vez más  parecido a la desposesión, al exilio…

La cámara de las maravillas está a punto de cerrarse con ella dentro.



Creí que era una peli de acción y resulta que es de gente rara.

Sara Blanco, redactora de Presente Contínuo

La publicidad es un método persuasivo, que utiliza principalmente la imagen para influir en la conducta de las personas. Formas y colores ideados para establecer una relación directa con el receptor, quedar impresos en su retina y producir un impacto en su cerebro: “clic”. El efecto deseado, el justo y necesario para convertirnos en títeres. ¿Fácil verdad?Muchos personajes a lo largo de la historia se han servido de este potentísimo instrumento para alcanzar unos objetivos no siempre éticos, y Adolf Hitler fue uno de ellos. << La propaganda intenta forzar una doctrina sobre la gente… opera desde el punto de vista de una idea y los prepara para la victoria de esa idea >> con estas palabras describía en su libro ‘Mein Kampf’ (1926) lo que posteriormente se convertiría en uno de los pilares de su estrategia política. Mensajes fuertes y simples, técnicas de la publicidad moderna que fueron el secreto del éxito y propiciaron la consolidación de un líder durante la época de inestabilidad de la República de Weimar (1919-1933) y hasta el fin de sus días en 1945.Acerca del poder de esta herramienta en un contexto político como el del nazismo es sobre lo que reflexiona la extremeña MariaJosé Gallardo (Villafranca de los Barros, Badajoz, 1978) en su satírica muestra ‘Creí que era una peli de acción y resulta que es de gente rara’, donde el propio título es ya una declaración de intenciones. Un verdadero retablo del mal, en el que los lienzos se multiplican hasta el exceso, saturando el espacio de la forma que nos tiene acostumbrados. Para esta ocasión, las obras se han desplazado hacia las paredes laterales, dejando la central reservada a una de las piezas más características y clarificadoras de la serie: el cartel electoral de 1932 intervenido por la artista. La simple acción de voltear las letras que forman la palabra “HITLER” es sinónimo de irreverencia y mofa hacia un personaje que creyó ser trascendental y se ha convertido en un chiste.Esta muestra, pretendidamente antiestética, no es más que la deriva lógica de una producción artística orientada hacia el psicoanálisis de la maldad humana: la representación de Hitler como el culmen de la depravación más absoluta. Sin embargo, aunque toda la serie gira de forma evidente en torno al nazismo, existe un interés latente por utilizarlo como ejemplo a partir del cual componer una aguda crítica contra los modelos totalitaristas. Por eso, a Gallardo no le interesa revivir la matanza del Holocausto o el sufrimiento explícito de los campos de concentración, sino que realiza un interesantísimo estudio de los esfuerzos del Tercer Reich por proyectar una inexistente fachada de complacencia humanitaria al resto del mundo, un comportamiento común en todos los gobiernos dictatoriales. Así, la artista representa a través de un profundo sarcasmo, la escalofriante realidad de una persona que se rodeaba de niños, jugaba con su mascota y pintaba muñecos Disney en sus ratos libres, mientras maquinaba algunos de los crímenes más atroces de la historia reciente.

Como protagonistas de una comedia, los rostros caricaturizados y contrahechos del Führer y sus seguidores tapizan el espacio. Para ello, Gallardo se ha servido de todo un repertorio gráfico y una profunda documentación de los hechos que se remonta a sus años de adolescencia y a la pasión heredada de su padre por las crónicas del pasado. Las fotografías de Heinrich Hoffmann –reportero personal del dictador- han sido manipuladas, el alfabeto rúnico adulterado y los símbolos del nazismo sacados de contexto, para crear una imagen tan irreal como la propia mentira orquestada por el astuto ministro Goebbels desde su Ministerio de Ilustración Pública y Propaganda.

Una revisión pictórica que pasa también por el tamiz de la cultura actual -sello indiscutible de la artista- con referencias directas al cine, el cómic o las nuevas tecnologías. Es capaz de titular la muestra a partir de un comentario de YouTube y hasta componer un “emoticono” con las facciones del dictador. Además, la obturación ornamental heredada del barroco andaluz, junto a los negros y dorados que caracterizan su pintura, se convierten en el escenario perfecto para representar la obsesión megalómana de un líder que se consideraba mesiánico.

Creaciones como ésta parecen convertirse en un alivio, la sátira como medicina para apaciguar los restos de la memoria histórica que todavía -setenta años después de aquel horror- siguen muy presentes. Algunos intentaron utilizar este antídoto incluso de forma paralela, como el inolvidable Charles Chaplin con su película ‘El gran dictador’ (1940), quien a través de este filme realizó una parodia de los regímenes totalitarios que bien se podría trasladar a la actualidad. Sin embargo, si hablamos de estetización de la violencia -algo que a MariaJosé Gallardo le va, y mucho- hay que nombrar al siempre mordaz Quentin Tarantino, quien en su película ‘Malditos Bastardos’ (2009) consiguió arrebatarnos una sonrisa de satisfacción al permitirse la licencia de pasar por la parrilla –figurativa, claro- a un individuo tan “querido” como éste.



Creíamos que la historia era responsable hasta que la escribió gente rara: notas sobre Mariajosé Gallardo

Marcos Fernández. Director de BlouinARTINFO en España, Colombia y México.

No debe suponer ningún problema ahondar en los viejos cajones de los hechos. Mucho menos cuando estos esconden cosas que se refugian del polvo porque, como buenos conmutadores del tiempo y del espacio, siguen queriendo aportar una idea más de los sucesos, por muy desastrosos que hayan sido.

Recuerdo una frase que, creo, es la más interesante que se puede entresacar de las muchas que una película puede tener -si no ésta posiblemente sería muda-, en la que se afirmaba más o menos esto: “Nadie se alarma cuando todo va según lo previsto, aunque lo previsto sea terrible”. Sentencia secuestrada de la conversación que tiene el personaje del Joker con Harvey Dent, en el filme “The dark knight” de Christopher Nolan.
Un aforismo de este calibre puede ofrecernos dos posibilidades: mirar hacia otro lado o la absoluta resignación.

Lo interesante sería poner algo de juicio sobre el tapete de las múltiples realidades que nos brindan los datos, seguir tramando para hacer que cada cosa tenga su sitio y ver que, como se frecuenta en el mundo de las artes, la sospecha sigue siendo protagonista de los titulares con un mínimo de criterio: por desgracia no suelen ser así de comunes.

Existen mundos que reiteran, de alguna forma menos cotidiana, el poder provocar una fenomenología marginal de lo que la historia nos deja como vestigios manidos. Si tenemos que citar otra película, cuyo no nombre no he sido capaza de poner en pie, da la casualidad que los que intentan sustraer opiniones, o buscar un paliativo diferente a la hora de cocinar una reflexión, acaban siendo sanas víctimas de la casualidad y del acierto.

“Creí que era una peli de acción y resulta que es de gente rara” es un poderoso título, no cabe duda. Sobre todo, cuando lo cotidiano pretende esgrimirse a través de un lado profano y pseudo-popular, con la intención de abstraer otros lugares que quedaron reservados para, seguro, alguna tesis doctoral que no tuvo en cuenta que las vicisitudes no pueden medirse a medias -mucho menos de forma despótica-, olvidando que no existen grados de exaltación ninguno cuando se repasan las páginas caducas de los manuales porque, la incongruencia, siempre ha servido como el mejor valedero para dar la importancia justa.

Creo que, por eso, se tiende a la congoja cuando surgen las imágenes y símbolos de un pasado aún cáustico, con notable interés especulativo, con toneladas de libros -en este caso unos que no pasaron por la hoguera- que hablan y dicen ser un pródigo de la razón con unas maneras que, desde el filtro de la extremeña Mariajosé Gallardo, son sin duda una nueva trinchera de trayectorias que invitan a mirar con otro signo, como siempre le gustó al citadísimo John Berger.

Cuando salen a la luz los pormenores de lo que sucedió a partir del año 1933 en Alemania, parece que a nadie le gusta mirar por ese agujero de las lecturas paralelas. Está claro que todos piensan en holocausto, perturbación, imperialismo, masacre, destrucción y demasiados apelativos poco espirituales.

El nazismo, en ese sentido, abrió una brecha complicada e injustificable que empezó saltándose una fronteras europeas a medio hacer, poniendo el punto de mira sobre Polonia y Austria para ir posicionándose con premura. Que esté dentro del juego de mesa bélico, lo hace ser más enfermizo aún y, si cabe, las ideas que pretender mostrarnos parten del credo utilitario más férreo, ambiguo y hermético.

El nazismo supuso muchas cosas que surgieron a posteriori: la desarticulación de un país para desmembrarlo -sólo hay que analizar las consecuencias del pacto no agresión firmado entre Hitler y Stalin, para el reparto de Polonia-, la aniquilación silenciosa, el desarrollo de la tecnología o la apertura de unas puertas que, rodeadas de misticismo y cierta nostalgia profana, articulan con obsesión y megalomanía unos pareceres ilusorios, mitológicos, mediante la representación como retrato del poder.
A Maria josé Gallardo siempre la han estimulado los emblemas y la obturación barroca, ornamental, el psicoanálisis de la tortura -cuando ha puesto en manifiesto algún psicópata abstraído de otro contexto analítico-, la ridiculización de las imágenes, la cultura popular frívola y holística para cocinar las cualidades desconocidas de lo cotidiano y, en cierto punto, de la perversión.

Poner sobre el tablero al círculo familiar de un loco, puede ser descriptivo, narrativo y desconsolador. Hacer coleccionismo de los estratos para que los malvados tengan otra condición, también puede envolverse de ciertas provocaciones.
Esa no es la dirección porque nunca ha habido vocación de fogosidad o alteración de los hechos, simplemente la de dar un motivo para que la memoria no entre en colapso, con sus derivadas hipertrofias.

Los actores son los que han de ser: Adolf Hitler, a modo de superestrella extática y nacionalista -como pudimos comprobar en la serie fotográfica que, Heinrich Hoffmann, realizó con unas poses entre el histrionismo, y la ridiculez absoluta, mientras escuchaba a Wagner y que fueron aparentemente destruidas en el año 1925-; mujeres y amantes como malignas y fanáticas acomplejadas, Albert Speer -que diseñó, entre otras muchas cosas, la Cancillería del Reich o el estadio para los Juegos Olímpicos del año 1936-, Joseph Goebbels, Hermann Göring, Rudolf Hess, Eva Braun, René Müeller o su sobrina Geli Raubal.
Si a todo estos le sumamos una lanza de Longinos, la búsqueda incansable del Santo Grial, la exploración de lugares con alto índice energético y el sometimiento de tradiciones, insignias y mitos para anexionar todos los credos posibles, entonces el resultado es un cajón desastre de tropelías y ganas por ser referentes culturales, económicos, significativos y tremendamente trascendentales.

La anulación de conciencia, el misticismo histórico, la modificación de las estampas o grabados, el carácter lúdico y festivo que podían tener las reuniones familiares en su residencia de Berghof, son las cosas por la que pasa el ideario de la artista. El citado emplazamiento fue el lugar de descanso y segundo domicilio gubernamental de Adolf Hitler en Obersalzberg, en los Alpes Bávaros -un lugar que fue bombardeado por la aviación británica en 1944, quemada por las SS y saqueado por los aliados, como suele suceder en cualquier latitud, después del paso de la maquinaria de la guerra.

La Segunda Guerra Mundial contribuyó a que emergieran dos superpotencias que buscaban repartirse el mundo: Estados Unidos y la URSS. La Sociedad de Naciones, a la que se responsabilizó de desatar la guerra, fue reemplazada por la ONU, tras la carta de las Naciones Unidas que se firmó en San Francisco el 26 de junio de 1945 mientras, las jerarquías religiosas europeas, se quedaban atónitas de cómo el Vaticano ejerció de abogado del diablo por nunca condenar la barbarie, de hecho, el propio pontífice del momento, Pio XII, le interesó estar del lado ario puesto que tanto judíos como comunistas, no entraban en el credo católico: una mofa más, otra irreverencia, una singularidad que la historia nunca será capaz de maquillar por muchas sonrisas que perpetren delante de una cámara.

En los Juicios de Núremberg y Tokio, parte de la jerarquía nazi y del Tenno nipón, fue juzgada y condenada por crímenes contra la humanidad -todo un precedente en las desavenencias de la historia, puesto que nunca se había juzgado a la plana mayor de una nación por causas similares-. La investigación científica y técnica, en su conjunto, se benefició de un fuerte impulso, en particular por la huidiza y patrocinadora voracidad investigadora, la fuga de cerebros y el dominio del átomo tras el Proyecto Manhattan -cuestiones que contribuyeron, también, a la creación del helicóptero, los aviones de reacción y la creación del ICBM: el desarrollo de misiles balísticos continentales que fueron los firmes comodines para la posterior Guerra Fría.

Ese laberíntico juego, a nivel representativo, hace que Mariajosé Gallardo, teja un dominio, como suele ser habitual, de la imagen, la composición, la oratoria de la ensoñación y los ideales simbológicos. Tantas posibilidades que, la destreza pictórica de la artista, queda camuflada por otras retóricas documentales.

La acumulación iconográfica a la que nos tiene acostumbrada la extremeña, es una concluyente oposición de estos valores engendrados mediante un léxico riguroso, que amontona en base a sus capacidades, no sólo plásticas, que presenta desde una tradición pictórica estilizada y con un brutal desenfreno metodológico: elementos esotéricos, iconos, símbolos y motivos, se dan cita en una apología tan determinante como satírica.

Sabemos que ejercer una línea de investigación sobre estos temas tiende a lo controvertido, cuando realmente lo que pretende es alargar la sombra del desastre para que tengamos en cuenta todas la preguntas que no nos atrevemos hacer, de ahí que “Creí que era una peli de acción y resulta que es de gente rara” tenga un carácter antiestético y casi caricaturesco.
Por eso, los libros de historia están para algo y, como es lógico, el tratamiento artístico de la autoridad historiográfica, propone como decíamos, una exótica y foránea naturaleza de la condición humana.


“Pinta lo que te dé la gana”

“Pinta lo que te dé la gana”

Bodegones, retratos cortesanos de princesas rubias, morenas y pelirrojas, guerreras, cazadoras, amazonas y animales: monos, guepardos, leopardos, elefantes, etc, muebles con pequeños retratos, reliquias, conchas, fósiles, esqueletos y animales disecados…y así un largo etcétera de elementos distribuidos en lienzos de diferentes formas y tamaños. A la cabeza de este abigarrado mundo y en el lado izquierdo de la primera sala de la exposición encontramos una mujer rubia de pelo largo y rasgos afilados que nos mira desafiante. Está vestida con una chaqueta verde de tipo militar muy decorada: pájaros, bellotas, diamantes, corazones, etc… también guantes de cuero, pantalones con tachuelas y botas a la altura del tobillo, un tigre a sus pies y otro tras un ciervo en una escena de caza a su derecha en un paisaje visto desde una ventana. Del conjunto nos llama la atención lo que la mujer sostiene en una de sus manos, un arcoíris y sobre su cabeza el lema: Non sine sole iris, sin sol no hay arcoíris.

Non sine sole iris es el título que recibió uno de los retratos más conocidos de Isabel I de Inglaterra atribuido a Isaac Olivier (principios del siglo XVII), en donde aparece la reina con el arcoíris y el mismo lema, y es también el nombre que recibe la muestra que Mariajosé Gallardo nos presenta en el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo hasta el 20 de abril.

¿Por qué Mariajosé elige como referencia esta simbología?, ¿porque es, como parece, un símbolo de poder? ¿o porque quiere señalarnos algo que va algo más allá de esa primera lectura? Sabemos que Isabel I reinó Inglaterra durante cuarenta y cuatro años y que fue y es conocida como “la reina virgen”. Quizás aquí, en el hecho de que se la recuerde de esta manera es donde podría encontrarse el primer señalamiento que nos hace la pintora, haciéndonos pensar y preguntarnos acerca de la tan arraigada costumbre de asignar (y normalizar) roles a las mujeres que no se cuestionan y se mantienen con el paso del tiempo. Isabel I no se casó y aunque hubo insistentes llamadas para ello por parte del parlamento nunca las aceptó. Cuando otro opta por escoger lo que no está establecido, lo que no es “normal”, apartándose así de lo socialmente estandarizado, lo vivimos como algo amenazante, especialmente si ese otro es mujer: sabemos cómo a lo largo de la historia se han ido fraguando leyendas y mitos -con sus correspondientes representaciones- sobre ellas que continúan perviviendo en nuestro imaginario.

Mariajosé se cuestiona esto, y lo hace desde el mismo título de la exposición, y su imagen emblemática, hasta en la elección de esas princesas que presenta mirando al espectador con cara de pocos amigos, escapando así de una representación de la mujer acorde a un canon de belleza al que estamos acostumbrados y con el que nos sentiríamos más cómodos. Aquí no hay una belleza amable, idealizada, no hay cuerpos exuberantes y femeninos; estas mujeres están a medio camino entre lo masculino y lo femenino, en una indeterminación/dualidad que nos interpela y desconcierta.

Con un “Pinta lo que te dé la gana” a modo de invitación y a modo de declaración de principios en una pieza que está situada en la esquina derecha de la primera sala, se nos indica que, efectivamente, Mariajosé pinta lo que le da la gana y que los elementos que se recogen en la muestra están ahí porque la artista nos quiere hacer partícipe de su mitología individual, personal, de su genealogía, e inevitablemente nos está hablando de cuál es su posicionamiento y su mirada crítica hacia algunos aspectos de la sociedad y de la historia, sobre todo en relación con la mujer. Posicionamiento que, -a tenor de lo expuesto anteriormente en cuanto a la indeterminación/dualidad con que la artista impregna toda su obra, especialmente en la representación de las imágenes femeninas-, deberíamos considerar como uno de los argumentos fundacionales de la pintura de Maríajosé y no aventurarnos a hacer un reduccionismo al uso e interpretar su obra en clave meramente feminista.

La muestra recoge más de 50 lienzos llevados a cabo ex profeso para ella, colocados a modo de instalación en dos espacios. El primero de ellos, y al que hemos hecho referencia, se encuentra en la antigua antesala del despacho del rey y en él encontramos una disposición de las obras que nos recuerda a las wunderkammer o a las cámaras de las maravillas. Estas, consistían en gabinetes con todo tipo de objetos “exóticos” o “raros” y fueron muy populares sobre todo en la época de las exploraciones geográficas (S.XVI-XVII), permite a la artista por sus compartimentos colocar y contextualizar muchos de los elementos que se recogen y también nos remite a un aspecto muy importante para ella, su identificación con este espacio, siendo muy consciente de dónde está mostrando su trabajo, el Monasterio de la Cartuja (edificio actual del CAAC), conjunto monumental de marcada significación en los descubrimientos de nuevos mundos (y sus tesoros) y la expansión colonial.

La otra parte de la muestra se expone en la antigua sacristía de la capilla de Afuera, aquí encontramos otro guiño más por parte de la artista al lugar: numerosos lienzos de distinto tamaño que ahora nos presenta con pájaros, peces, retazos de anatomías…, y en los que resaltan el bruñido y los reflejos del oro como fondo, rodean a otra virgen, la de la Encarnación (escultura del siglo XVII), distribuidos a la manera de media luna y que nos lleva a evocar los retablos del barroco.

La contradicción/fricción de elementos contrapuestos o no del todo coherentes entre sí, es uno de los procedimientos que la artista utiliza para introducirnos su mundo. El espectador experimenta un camino de ida y vuelta en su enfrentamiento con las obras de la artista: ésta nos ofrece su mitología individual, su genealogía, su mundo más personal mediante elementos tan reconocibles que puede llevarnos –erróneamente- a pensar que captamos su intencionalidad, sus posibles significados, pero a la vez a causa del carácter simbólico y emblemático que poseen, amén de su profusión y distribución, experimentamos múltiples reclamos que nos provocan infinitud de posibles y una vez más, indeterminadas relaciones e interpretaciones; y es en esa constante dualidad (lo personal a través de lo reconocible, lo reconocible/definido con posibilidad de innumerables relaciones…) donde se mueve y reside parte de la

importancia de este trabajo. Un trabajo personal, figurativo y a primera vista reconocible por todos pero a la vez rodeado de misterio.

Y aunque estemos ante una pintura cargada de significados y de cierta carga crítica, la obra no sólo no renuncia a su sensualidad, sino que apuesta por ella. Sensualidad que se manifiesta en la diversidad y la combinación de colores, la mayoría de ellos en tonos pasteles sobre fondos oscuros (en la primera sala) y en el uso de los dorados que nos recuerdan al pan de oro utilizado en la pintura bizantinos y en los retablos barrocos en las obras de la Capilla de Afuera. A todo ello podríamos añadir además, el uso de la fina pincelada que nos muestra hasta el último detalle en los elementos ornamentales: tejidos, cabellos, plantas, y nos habla de una característica minuciosidad, precisión y mimo que ha estado siempre presente en el trabajo de Mariajosé.

No es del todo fácil apostar hoy por una práctica artística como es la pintura y más aún si se tiene que decir tantas cosas tal y como esta exposición pretende decirnos. Hay una rasgo definitorio en la obra de Mariajosé que reside en la negación muy consciente de asumir la pintura tal y como la concebían los formalistas. Recordemos que Greenmberg (1940), se posicionaba contra la pintura narrativa argumentando que la pintura no debería esconderse tras la representación de objetos y cosas y que debería ceñirse al medio que le es propio (la superficie) y contar con su limitación (la bidimensionalidad). La artista no sólo es que rete estos principios al mostrarnos una obra figurativa cargada de significados, sino que da un paso más allá al cubrir como cubre las paredes, al cómo ha dispuesto los lienzos sin solución de continuidad, a los diferentes tamaños y formas elegidas, terminando en definitiva por desbordar y llevar la pintura más allá del marco e incluso de los muros de las salas, que casi desaparecen. Toda la alteración que esto provoca del orden visual y de la percepción de la obra pictórica hace que nos encontremos con un trabajo mucho más efectivo y afectivo.

Es casi imposible concluir un trabajo acerca de la muestra de esta artista, siempre quedarán cuestiones, ideas, para pensar/repensar, reflexionar, gozar… Es por ello por lo que deberíamos volver a la frase de pinta lo que te dé la gana ya que quizás sea lo que mejor defina esta exposición y en general el trabajo de Mariajosé. Su fuerza, su importancia, su valor… reside en que nos podamos enfrentar y disfrutar su obra también como nos dé la gana.

Blanca del Río.
Marzo 2014


A partir de finales de los 90 y en los primeros años de la década de 2000 una nueva generación de artistas irrumpe en el ámbito sevillano. Era un grupo heterogéneo de creadores que crecieron con el apoyo de figuras como el promotor cultural Marcelino García o Francisco del Río, director entonces del Departamento de Artes Plásticas de la Obra Social de Caja San Fernando. En aquella época exponían en las galerías Cavecanem, Felix Gómez, Birimbao, la Caja China o la sala de exposiciones de Santa Inés, además de utilizar espacios directamente gestionados por los artistas, caso del local del colectivo The Richard Channin Foundation o de sala de eStar. En conjunto, estos creadores supusieron una renovación del panorama artístico local con obras que huían de lo espectacular para ofrecer, desde un consciente dominio del medio, un arte autónomo, fresco y directo.
Ahora, el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo, dentro de su sesión expositiva Más allá de la Figura, realiza una fuerte apuesta por esta generación con tres exposiciones monográficas dedicadas a las figuras de Miki Leal, José Miguel Pereñíguez y Mariajosé Gallardo. Sobre esta última y su exposición Non Sine Sole Iris –sin sol no hay arcoiris– versan las siguientes líneas.

Carlos G. de Castro. Artecontexto

Balada Heavy

María José Gallardo ha instalado en el CAAC dos retablos compuestos de numerosos cuadros que evocan las cámaras de maravillas que fueron el precedente de los museos actuales.
José Yñiguez Sevilla
Febrero 2014

Non sine sole iris

Non sine sole iris. Mariajosé Gallardo
Centro Andaluz de Arte Contemporáneo (CAAC), Sevilla
20 de diciembre 2013 – 20 de abril de 2014

Si por algo valiera el legado de la tradición visual que todos tenemos presente -aún de manera muy inconsciente- en nuestro modo de mirar, sería por la posibilidad que aún nos queda de desbaratarlo, pervertirlo, desconstruirlo y volverlo a proponer. Recuperar aspectos del pasado tiene mucho que ver con ser un correcto intérprete del presente, y hacer converger lo exótico y lo insólito con lo popular y lo conocido es la mejor manera de ilustrar el imaginario visual moderno, que no entiende de categorías ni de jerarquías y que tiende a mezclar indiscriminadamente lo heterogéneo. Algo así como colocar una calavera de McQueen junto a una santa murillesca.

Mariajosé Gallardo (Villafranca de los Barros, Badajoz, 1978) hace confluir en Non sine sole iris la estructura/forma histórica de acumulación de obras en las antiguas “Cámaras de las maravillas” con una iconografía que, desde la más arraigada perspectiva contemporánea, vuelve insolentemente los ojos a las imágenes del pasado y  desafía a las del presente. Si con lo primero corrompe el sacrosanto muro blanco, con lo segundo destruye la canonizada distinción entre alta y baja cultura. Pero no acaban aquí los desbarajustes. Sin orden narrativo dispuesto, el papel del espectador comienza a ser inestable. Gallardo ha descentralizado el comienzo de la exposición, ubicando el cuadro vertebrador de la muestra en el extremo izquierdo de la pared. El retrato de la virtuosa (por supuestamente virgen) Elisabeth I, símbolo de la prosperidad de Inglaterra durante la Edad Moderna y portador de la locución que da título a la muestra (Non sine sole iris: sin el sol no hay arco iris), ha sido reinterpretado por la pintora, que ha puesto a su aristocrático simbolismo de poder y realeza a codearse con princesas Disney-punk y pérfidas amas de casa con cara de pocos pasteles.

Al suelo con la linealidad, con los discursos expositivos rectilíneos y con los argumentos artísticos unívocos. Desde el detalle hasta el conjunto, desde lo más aparentemente tradicional hasta lo abiertamente subversivo, la propuesta parece clara y estimulante. Se trata de descubrir (o tal vez inventar) las interacciones entre las imágenes, yendo de una a otra, relacionando iconografías, descubriendo sus vínculos simbólicos y formales.  Se trata también  de oscilar entre el motivo que le sirvió de inspiración a la pintora y su interpretación, dejándonos llevar por la reflexión implícita en estas transformaciones. En último término, habremos de interpretar las piezas en su “marco”, en el simbolismo del espacio de una Wunderkammer (buena metáfora de nuestros disonantes imaginarios colectivos), y encontraremos la clave de la propuesta.

Es esta multiplicidad de caminos por los que transitar la que convierte a la exposición de Gallardo en un sinfín de posibilidades, esas que otorga el arte mediante sus técnicas, en este caso una madura labor pictórica comprendida no solo como instrumento (medio) de expresión sino como necesario componente del discurso. En estas posibilidades reside la eficacia de la muestra, ya que son un requerimiento claro de participación del espectador, a quien se solicita tanto una actitud activa de descubrimiento y sorpresa, al modo de las antiguas “Cámara de las maravillas”, como una predisposición al humor y a la crítica, los componentes esenciales y las más valiosas armas de expresión del arte actual.

Texto: Begoña Barrera
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